14. JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960-1988) Sans titre 1986 signé et daté 86 au revers crayons gras, crayon de couleurs, aquarelle et encre sur papier signed and dated 86 on the reverse oilstick, coloured pencil, watercolour and ink on paper 106.3 x 75 cm. 41 7/8 x 29 1/2 in. Provenance Vente : Pierre Cornette de Saint Cyr, Paris, Art Contemporain, 23 mars 1988, lot 90 Galerie Beaubourg, FIAC 1988, Paris Collection particulière, Paris Bibliographie Pierre Nahon, L'Histoire de la Galerie Beaubourg III, 1994-2009, Paris 2009, p. 89, photo in situ illustrée en couleurs Comme un surgissement habité par la grâce, Jean-Michel Basquiat fut une aube improbable dans le monde de l'Art au début des 1980. Seul, sans autre dessein que la nuit d'où il venait, cet artiste étreignit, d'une puissance à laquelle nul ne sut résister, les codes aseptisés alors en vigueur. A ce que Jean-Michel Basquiat considérait comme la tache originelle que fut la réforme du langage de l'art et sa confiscation de toute expression d'intention pour n'en extraire que le discours (l'art conceptuel règne en maître dans les galeries new-yorkaises à la fin des années 1970), l'artiste opposa un geste primordial : celui de laisser une trace. Le dessin, le tracé, est chez lui une question ontologique. Pour peu que l'on veuille descendre en soi-même, ses œuvres ne sauraient laisser indemnes, car l'artiste savait rendre les abîmes plus infinis, la beauté plus pénétrante. Assez souple et assez heurtée pour s'adapter aux mouvements de l'âme, sa peinture sut rendre nos sens plus attentifs. Sa fièvre, des géants du marché de l'art ne fut pas longtemps ignorée, puisque dès 1980, Jean-Michel Basquiat participa avec Kenny Sharf et Jenny Holzer à une exposition collective dans la prestigieuse galerie « Time Square Now ». Deux ans plus tard, alors qu'il n'avait que vingt-deux ans, il fut exposé à la Documenta de Kassel et participa l'année suivante à la biennale du Whitney Museum. Annina Nosei, Larry Gagosian, Bruno Bischofberger, Yvon Lambert, Pierre et Marianne Nahon, et tant d'autres, le courtisèrent à l'aube de ses vingt-cinq ans. Il n'est pas aujourd'hui de grands musées internationaux qui ne lui ait réservé une rétrospective, tandis que les plus grandes collections privées se jalousent ses œuvres. La Fondation Louis Vuitton, Paris, lui consacre aujourd'hui une exposition d'envergure : « Basquiat x Warhol : à quatre mains », du 5 avril au 28 août 2023. Mythographe, peintre, poète, musicien, cet artiste pluridisciplinaire, dont le foisonnement intellectuel n'eut d'égal que la richesse de sa culture (ses œuvres souvent se référaient au Codex de Léonard de Vinci, à la Renaissance, à Henri Matisse, à Cy Twombly, aux cartes stellaires, au vaudou, à la culture haïtienne, etc.) fut rapidement érigé au rang de mythe. Andy Warhol, longtemps, resta fasciné par celui qui fut surnommé « The Radiant Child ». Ses œuvres sur papier sont issues d'un univers sécant et parallèle à celui des œuvres sur toile. « Pour Basquiat, la peinture c'est le dessin » confirme Marc Meyer (ancien directeur du Brooklyn Museum). Le papier, à bien des égards, épouse cette radicalité par l'immédiateté qu'il confère. Cette œuvre, de format rare, est restée dans la même collection particulière française depuis plus de trente ans, c'est dire la passion qu'a suscitée ce dessin chez cet amateur très éclairé. Il fut conservé à l'abri des regards, jusqu'à nos jours. La vitesse d'exécution, la spontanéité (on y aperçoit quelques taches de café), révèlent le talent de l'artiste, lié à l'instinct. De l'ouvrage (Gray's Anatomy), déterminant, offert par sa mère lorsqu'il fut hospitalisé enfant, Jean-Michel Basquiat retint que l'être humain était réductible. Précaire et originelle, la figure humaine dans cette œuvre convoque l'Afrique, chère au cœur de l'artiste, les fantômes aussi. Continent longtemps rêvé, imaginé, l'Afrique est la « mémoire culturelle » de Jean-Michel Basquiat, selon les mots de l'artiste, dont la part africaine de son métissage haïtien et portoricain hante ses œuvres. Ecorché, sanctifié, cette terre habite son Œuvre comme un dieu tutélaire. Icône absolue de la savane, ce fauve surgit dans ce dessin révélant, par sa gueule bifrons, la dualité qui jalonne l'Œuvre de l'artiste quant à cette terre souffrante et insoumise. La face organique s'affronte à celle décharnée, entre beauté menaçante et visage exsangue. La précision anatomique du trait de l'artiste, vibrant et sûr, bien que nerveux et très rapide, souligne son allégeance à l'art africain traditionnel, récupérant le langage du primitivisme, tout en faisant, picturalement, des commentaires acérés sur l'injustice raciale dont l'artiste a été témoin. Un mot, comme une surenchère du sens, éructe de la gueule du fauve : Neptune. Celle-ci est, dans le système solaire, la planète la plus éloignée du soleil...L'artiste Shenge Ka Pharaoh, originaire de la Barbade, conforte Jean-Michel Basquiat dans son souhait de rencontre avec l'Afrique où l'artiste s'y rendra pour la première fois en août 1986, année de la création de cette œuvre. Deux ans plus tard, le 12 août 1988, l'enfant-prodige est retrouvé mort d'une overdose d'héroïne dans son appartement de Great Jones Street. Ecorché vif, insoumis, obstiné, l'artiste consume la vie en consommant de la drogue : marijuana, cocaïne, héroïne, LSD etc. En abjurant la vie, il fit de son Œuvre un testament iconoclaste. Cicatricielle et venimeuse, la drogue permettait sans doute à Jean Michel Basquiat d'échapper à la torpeur du quotidien, qu'il combattait avec frénésie : « je dessine et je peins jour et nuit, sinon, je ne saurai pas quoi faire d'autre » confie-t-il. Dans ce dessin, de nombreuses références aux stupéfiants sont faites. La masse noire, présente au dessus du mot Cyclops, se retrouve dans son iconographie sous la dénomination de « Black Tar ». Sève du pavot, cet opioïde qui se présente sous la forme d'une pâte de couleur foncée, est une substance psychoactive, fabriquée au Mexique, qui n'est importée qu'aux Etats Unis. Ravageant de ses vapeurs éthérées les années 1970-1980 au sein de l'Avant-Garde new yorkaise, l'héroïne fera des jeunes stars qui en ont trop inhalé des étoiles, filantes. Des corps ici jonchent le sol, entre ivresse mystérieuse et danger vital. Dans un « dérèglement de tous les sens », Jean-Michel Basquiat incarne à lui seul l'époque dans laquelle il vit. Au club 57, au Palladium, etc., les cercles fermés s'élargissent jusqu'à faire se côtoyer les east-siders et les outsiders, lorsque les paradis artificiels s'en mêlent... C'est d'ailleurs au Mudd Club, en 1979, que l'artiste rencontre son premier marchand, Diego Cortez, qui le présentera à l'influent Henry Geldzahler. Les personnages Cyclops, sont ici une métaphore mystique et ésotérique qui procèdent des « enseignements de la sagesse occidentale » de Max Heindel dans laquelle l'homme s'éveille à de nouvelles perceptions sensorielles, nourris de plaisirs éthérés et sombres qui remplissent l'âme au-delà de sa capacité. Baudelaire écrivait en son temps que les vices de l'Homme sont la preuve de son goût pour l'infini. « Seulement, c'est un goût qui se trompe souvent de route » ajoute le poète. De cette scène colorée, où l'ellipse ajoute au mystère de ces voyageurs immobiles, s'exhale un sentiment de danger, la vision d'un accident – il est de ces traits qui portent en eux un héritage - et l'urgence, toujours. Dessin nimbé de silence, très peu de mots viennent corrompre la ligne ou la couleur dans cette œuvre, chose assez rare. L'humain, même à peine effleuré, comme sevré d'amour, reste, seul, le sujet inaliénable et sacré. An eruption suffused with beauty, Jean-Michel Basquiat was an unforeseen dawn on the world of Art at the beginning of the 1980s. Alone, with no other design than the night out of which he stepped, this artist choked, with irresistible authority, the sterile codes in force at the time. To what Jean-Michel Basquiat considered as the original stain, the switch in the language of art confiscating any expression of intent only to extract its rhetoric —Conceptual art is the overlord that reigned upon the New York galleries at the end of the 1970s—, the artist opposed the primitive gesture: that of leaving a trace. The drawing, the trace, was to him an ontological question. His works, to those who might consider searching their soul, cannot leave you untouched, as indeed this artist knew how to give a broader perspective to abysses and render beauty even more penetrating. His painting, supple yet irregular enough to adapt to the movements of the soul, enhances the attentiveness of our senses. His fire was not long ignored by the giants of the art market, since in 1980, Jean-Michel Basquiat, with Kenny Sharf and Jenny Holzer, participated in a collective exhibition at the prestigious "Time Square Now" gallery. Two years later, at only 22, he was exhibited at Documenta in Kassel, and the following year he took part in the Whitney Museum Biennial. Annina Nosei, Larry Gagosian, Bruno Bischofberger, Yvon Lambert, Pierre and Marianne Nahon and many others courted him at barely twenty-five. Today, there is not a single major international museum that has not planned a retrospective for him, while the greatest private collections covet his works. The Louis Vuitton Foundation in Paris is devoting a major exhibition to him, "Basquiat x Warhol : à quatre mains", from April 5 to August 28, 2023. Mythographer, painter, poet, musician, this multifaceted artist, whose intellectual profusion was only matched by the extent of his culture—his works often referred to Leonardo da Vinci's Codex, the Renaissance, Henri Matisse, Cy Twombly, star charts, voodoo, Haitian culture, and more— was quickly elevated to the rank of legend. Andy Warhol was forever fascinated by the kid nicknamed "The Radiant Child". His works on paper come from a universe that is both secant and parallel to that of his works on canvas. "For Basquiat, painting is drawing," confirms Marc Meyer (former director of the Brooklyn Museum). Paper, in many ways, due to the immediacy it confers embraces radicalness. This work, of rare format, has remained in the same private French collection for more than thirty years, and kept out of sight until today, which shows the passion that this drawing aroused in this very enlightened amateur. The speed of execution, the spontaneity (we can see some coffee stains), reveals the artist's talent, linked to instinct. The book Gray's Anatomy was momentous: given to Jean-Michel Basquiat by his mother when he was hospitalized as a child, it impressed upon him that the human being could be undermined. At once fragile and primitive, the human figure in this piece evokes Africa, dear to the artist's heart as well as ghosts. A continent long-dreamt of, imagined, Africa was, in the words of the artist, Jean-Michel Basquiat's "cultural memory", his African heritage, by way of Haiti and Puerto Rico, haunted his works. Tormented and sanctified, like a tutelary god, the continent inhabited his Oeuvre. Absolute icon of the savannah, the fawn emerges in this drawing, its Bifrons-like muzzle revealing the duality that punctuates the artist's work and embodies such a land of suffering and rebellion. The organic features confronting its gaunt counterpart, at once threatening beauty and bloodless mask. The anatomical precision of the artist's drawing, both vibrant and firm, underlines his allegiance to traditional African art, retrieving the language of primitivism, while rendering, in paint, incisive comments on the racial injustice he had witnessed. One word, somewhat excessive for its meaning is belched from the mouth of the fawn: Neptune. A planet of our solar system, the farthest from the sun... The artist Shenge Ka Pharaoh, originally from Barbados, confirmed Jean-Michel Basquiat in his wish to meet Africa where the artist would go for the first time in August 1986, the year of creation of this work. Two years later, the wonder child is found dead of a heroin overdose in his apartment on Great Jones Street. Tormented, rebellious, obstinate, the artist consumed life by using drugs: marijuana, cocaine, heroin, LSD etc. By abjuring life, his Oeuvre became an iconoclastic testament. Scarring and poisonous, drugs undoubtedly enabled Jean-Michel Basquiat to escape the dullness of daily life that he fought frantically: "I draw and paint day and night, otherwise I wouldn't know what else to do" he confided. In this drawing, many references to drugs are made. The black mass, present above the word Cyclops, is found in his iconography under the name of "Black Tar". Sap of the poppy, this opioid which is presented in the form of a dark-colored paste, was a psychoactive substance, manufactured in Mexico and only imported in the United States. In the years 1970-1980, its ethereal vapors ravaged the New York Avant-Garde, over-indulgence in heroin would transform many a budding star into a shooting star. Bodies here litter the ground, depicting the mystery of intoxication and its deathly danger. With a "total disruption of the senses", Jean Michel Basquiat alone embodied the era in which he lived. At Club 57, the Palladium, etc., closed circles widened to include east-siders and outsiders, the effects of an artificial paradise... It was at the Mudd Club, in 1979, that the artist met his first dealer, Diego Cortez, who introduced him to the influential Henry Geldzahler. The Cyclops characters, here, are a mystical and esoteric metaphor that proceed from Max Heindel's "Western wisdom teachings" in which man awakens to new sensory perceptions, nourished by ethereal and dark pleasures that fill the soul beyond its capacity. Baudelaire wrote in his time that Man's vices are proof of his taste for the infinite. "Only, it is an inclination that often chooses the wrong road" added the poet. From this colorful scene, where the ellipse adds to the mystery of the stilled traveler, emanates a feeling of danger, the vision of an accident— some traces carry a heavy legacy —and always, an urgency. A drawing shrouded in silence, very few words come to corrupt the line or the color in this work, indeed quite rare. The human figure, even if barely evoked, as if weaned of love, remains, alone, an inalienable and sacred subject.